BATTLE BEAST: "Steel" (Nuclear Blast)

Una de las revelaciones del año a nivel de heavy metal clásico es sin duda el discazo de debút que se han sacado de la manga estos fineses. Además, es una formación con chica al frente, en esa onda de formaciones clásicas con cantante femenina como puedan ser italianos WHITE SKULL, los germano/holandeses ZED YAGO (y su versión posterior en solitario de la cantante Jutta Weinhold) o los actuales CRYSTAL VIPER polacos. En una onda totalmente tradicional, sin meterse en camisas de once varas pero haciéndolo muy bien, nos encontramos con un trabajo sin duda de inspiración ochentera, demostrando que en el heavy metal lo que mejor funciona es lo que se hace de corazón, con personalidad y teniendo claro lo que puedes y quieres hacer. Además, pese a ser muy clásico, me gusta el deje épico de algunos temas (reforzado por el correcto e interesante uso del teclado) y sobre todo la fuerza y melodía que desprenden las guitarras, sin estridencias, y la habilidad que tienen (recuperada de los grandes) de hacer canciones que se te quedan. Además, según el momento son macarras (como la acelerada "Justice and metal" o las "acceptianas" "Armaggedon clan" y "Victory", brutales)  o elegantes (genial la balada "Savage and saint", la fuerza de "Iron hand" o el punto diferente de "Enter the metal world", por ejemplo), mostrando un amplio espectro de posibilidades y de sonoridades en un mismo disco.

Hablando de la vocalista, sin duda uno de los puntos a destacar del disco (y perfectamente secundada en coros y segundas voces por el bajista y uno de los guitarristas), hay que destacar que Nitte Valo hace un trabajo excelente, dando fuerza y personalidad a cada tema del álbum, y eso que no es una Doro precisamente pero sí transmite un montón con su voz y le aporta ese toque especial (además de las canciones en sí me refiero) que diferencia a una banda más de una formación realmente interesante como la que tenemos entre manos. En definitiva, un excelente álbum de heavy metal a la vieja usanza pero facturado a finales de 2011, además de una banda que, sin más pretensiones que hacerlo bien, han conseguido darle forma a uno de los álbumes del año dentro del estilo. Ya lo dicen en el estribillo de uno de sus temas: "shake the world with heavy metal", ni más ni menos. Gran sorpresa y es que de verdad que es un gustazo el poder encontrarte aún en estos tiempos grupos y discos como éste.  

David Esquitino

Crítica. Mean Streak. Declaration of War

Mean Streak: "Declaration of War" (Black Lodge/Sound Pollution)

No dejan de llegarnos desde Suecia bandas de altísima calidad musical. Da igual cual sea el estilo, los suecos parecen encontrarse en estado de gracia. Ese es el caso de Mean Streak, exponentes del revival de Heavy Metal clásico, con innegables influencias de la NWOBHM aunque actualizados a los tiempos que corren. No obstante, pese a un nombre que podría recordarnos a Y&T, en el espectro más melódico o a las también ochenteras, pero en este caso thrashers americanas Meanstreak, lo que nos muestran es un puñado de canciones situadas en la tradición más clásica del Heavy Metal europeo. Y pese a que la portada podría tener ciertas reminiscencias al power melódico, los tiros se alejan en cuanto comenzamos a escuchar el disco.

Nos encontramos ante el segundo trabajo de la banda y tal vez lo más interesante de este "Declaration of War" es su falta de interés por indagar nuevos paisajes sonoros y por presentar una continuidad y fidelidad a sus influencias. Mean Streak lo tienen claro, riff potentes, una voz bastante clara, potente a la vez que melódica y una producción que no olvida los tiempos en los que vivimos. Los coros suenan de forma mucho más limpia que aquellos viejos discos de los ochenta. Pero aun así en temas como "Brothers til the end", uno de los himnos más coreables del disco ofrecen un perfecto contrapunto a la voz de Andy LaGuerin.

En ocasiones podemos encontrar influencias que van desde Accept hasta riffs que rememoran a los mejores Judas Priest como es el tema que cierra el disco, la fantástica "The Oblation".Y es que los dos guitarristas, David y Patrik disfrutan creando y mezclando solos rápidos y cristalinos que acompañan perfectamente a la base potente de batería de Jonas Källsbäck y de bajo de Peter Andersson.

Una sorpresa agradable, en definitiva, que gustará a todos aquellos que amen el Heavy Metal en sus tesituras más clásicas, potentes y sin olvidar la melodía.

Texto: Fernando Checa

Crítica. Slayer. World painted blood

Slayer: “World Painted Blood” (Sony/BMG):

Nuevamente tenemos ante nosotros un trabajo lleno de mala leche de estos maestros del thrash, obviamente una de las bandas más importantes e influyentes de la historia del metal. Nos encontramos ante un disco que no es novedoso ni especial, y lo digo básicamente porque es lo mismo que llevan haciendo durante todos estos años en el sentido de que es claramente la continuación perfecta de discos como “God Hates Us All” o “Christ Illusion”. De hecho, canciones como la que da título al disco o “Public Display Of Dismemberment” son el mejor ejemplo de que siguen como siempre: temas salvajes, rápidos y sobre todo destilando muy mala leche. De todas formas, creo que han conseguido levantar el pistón de calidad y de toque clásico comparado con sus predecesores de sus últimos años en temas como “Psycopathy red”, “Snuff” o “Hate worldwide”. Sin embargo, una vez han cumplido con la fórmula, deciden también demostrar algo diferente a partir de su séptimo corte, cuando los norteamericanos se desmarcan de ataduras y empiezan a buscar nuevas vías de escape con canciones también buenas como “Human Strain” o “Playing With Dolls”, que es para mí lo mejor del disco sin duda. De hecho, en mi opinión deberían centrarse en hacer este tipo de canciones, no en el sentido de “innovar” sino más bien de no hacer siempre lo mismo, porque a más de uno le cansará o le resultará muy repetitivo. Ahora, también habrá por supuesto muchos de sus fans que quieren seguir escuchando la apisonadora sónica y la picadora habitual 100% marca de la casa, King/Araya & Co.

A nivel de sonido y estilo, hay que destacar que Rick Rubin ha vuelto a hacer un buen trabajo con ellos, manteniendo muy bien el equilibrio entre su sonido clásico y ese toque algo más actual “necesario” en estos tiempos. Musical e instrumentalmente el disco es un cañón, y es que la banda está en muy buena forma, y de las letras con decir que son totalmente SLAYER debería ser suficiente para saber de qué estamos hablando, aunque voy más allá y la verdad es que esta vez Kerry King ha hecho un gran trabajo al respecto, sin parar de escupir maldad y agresividad pero con una rotundidad y rebeldía innata contra cualquier aspecto políticamente correcto que asusta. De todas formas, aunque a pesar de todo siguen en la cresta de la ola, como se suele decir, seguirán tocando y criticando como sólo ellos saben. Nunca se aburren y sus fans tampoco, y mientras no bajen el nivel de sus directos nadie les dirá nada porque hace muchos años que se ganaron este derecho. A estas alturas decir que es su mejor disco obviamente es una exageración, pero por otro lado no está de más afirmar que estamos posiblemente ante el mejor y más puro trabajo de SLAYER de sus últimos años.

Texto: Alex Encabo y David Esquitino

Crítica. Saratoga. Secretos y Revelaciones

SARATOGA: “Secretos y Revelaciones” (Avispa)

Primer paso: el single… La impresión fue bastante buena, tanto que tienes ganas de ver cómo va a acabar la aventura. Segundo paso: escuchar el disco… Y es que no he sido la primera persona que dice aquello de “me esperaba más”. Tercer paso: escucharlo unas cuantas veces más…. Poco a poco se descubren más cosas, de hecho, el disco se va descubriendo a sí mismo, logrando que tema tras tema entres dentro de sus melodías cosa que en un principio parecía más difícil.
Así ha sido, y es que me vais a permitir tomarme la licencia de defender una rutina que, según avanzan los tiempos se está perdiendo: Coges el CD del grupo en cuestión, lo metes en la cadena de música (ahí estamos, nada de auriculares, ordenadores y nuevas tecnologías), con sus altavoces (¡de madera!), un sofá para sentarte con el libreto en la mano (¡papel!) y las orejas destapadas esperando una buena ración de heavy metal. Y esto lo digo porque sigo defendiendo que hay grupos que funcionan mejor cuando “parece que las melodías te envuelven”.

Después de esta licencia introductoria, vamos a entrar al trapo al 100%, y es que este nuevo disco de SARATOGA, “Secretos y Revelaciones”, creo que tiene un buen denominador común, y es que está muy bien trabajado. Además, en algunos detalles se ve la marca de Roland Grapow (ex HELLOWEEN y actualmente liderando a sus MASTERPLAN) que, según la propia banda, tenía licencia para cambiar a su gusto. Encuentro mucha variedad en los temas, pese a que un par de ellos me parece que no terminan de encajar muy bien con el resto del trabajo (parecen bajar de otras zonas de Europa, por decirlo de alguna manera), pero ante todo hay mucha calidad y algunos detalles interesantes como esas intervenciones de Andy (batería) con el piano en unas intros, solos o ritmos diferentes. En definitiva, es una evolución más en la carrera del grupo, pero manteniendo firme el sello sonoro de SARATOGA, quizás con una cierta vuelta a ese deje más power y rotundo de trabajos como “El clan de la lucha” o “Agotarás”.

Ya estaba en el single, pero “No sufriré jamás por tí” me sigue sorprendiendo por el ritmo que va cocinando la canción desde dentro, en gran medida gracias al trabajo de Niko al bajo. Pero tenemos que destacar a todos los componentes de la banda porque por ejemplo en “Deja Vu” Tony (guitarra) se marca un tema rotundo, con sólo de un minuto incluido que te deja embobado, con las orejas tan abiertas que se te olvida respirar. Pero no sólo Tony y Niko dan muestras de su calidad (por todos conocida a estas alturas) sino que Andy en “Mucho por vivir” realiza un muy buen trabajo, en un tema extraño pero que acaba gustando, y que es de los que me gusta etiquetar como “de directo”. Y como está de moda jugar a ser juez con SARATOGA, no se puede quedar atrás la opinión sobre Tete (voz), que personalmente opino que ha madurado mucho y aún nos puede dar más. De hecho, en este disco está llegando un poco más lejos y añade colorido al tono general a lo largo de los diferentes temas.

Siendo SARATOGA, una vez más hay que volver a alabar los temas lentos como “Mar de Luz” (ojo con la guitarra y ritmos de este tema) y “Cuando los sueños te hagan llorar”, diferentes pero muy buenos ambos dos. Pero no me puedo despedir sin comentar dos temas que me sorprendieron muy gratamente desde la primera vez que escuché el trabajo: “Luna Llena” y “Lágrimas de un Ángel”. El primero aparece rodeado de un ambiente y unos ritmos más oscuros que desembocan en unos estribillos optimistas y más limpios. Y desde el segundo nos muestran la visión de un soldado que desembarca en Normandía y que sólo puede ver la muerte delante de sus ojos.

Como resumen, pese a que mi primera impresión fue decepcionante con ese “me esperaba más” que decía al principio, después de escucharlo unas cuantas veces me parece un buen trabajo en el que podemos encontrar muchos aspectos a destacar y que, sobretodo, está repleto de calidad sonora y buen heavy metal. Sobre si supera o mantiene el listón con respecto a trabajos anteriores ya sois vosotros, los oyentes, los que tenéis que decidir.

Texto: Miguel Julián

Crítica. Axxis. Utopia

AXXIS: “Utopia” (AFM)

Cuando casi no acaban de parir un fantástico "Doom of destiny", poco después ya nos vuelven a enganchar con este "Utopia" que, cuanto menos, mantiene el nivel de calidad que merece un nombre tan importante en la escena del hard/heavy/power europeo. Además, es curioso como tras esa cierta "vuelta atrás" (si me permitís el término fácil) del anterior trabajo, inciden aún más en esa vena en este "Utopia", manteniendo por supuesto el estilo base de la banda (ese heavy/power metal alegre y melódico), y recuperando ese deje sino hardroquero de "II" o "The big thrill", sí retomando melodías y ese power metal primigenio acelerado y divertido de aquella época. Me gusta mucho volver a sonreír escuchando los temas de AXXIS y que, una y otra vez, te dejen con esa sonrisa que podría surgir hipnotizado por la mágica personalidad de Bernhard Weiss, líder del grupo desde siempre junto con el teclista Harry Oellers, que además recupera muchísimo protagonismo en el sonido del grupo.

Es un disco muy melódico, con gran sonido, y hay que destacar que el teclado sobresale en este caso por encima del resto de los instrumentos, dando mucho ambiente y color a los temas. Por otro lado, es cierto que quizás no sea el mejor disco de AXXIS pero lo que está claro es que cuanto menos no defrauda y que suena a AXXIS por los cuatro costados. El disco tiene 10 temas y una intro, para que nadie pueda protestar ni por exceso ni por defecto, con un sonido más sencillo y cercano a los 80 (todo esto matizado, por supuesto), pero a su vez muy atractivo y pegadizo, 100% en la línea de lo que siempre fue AXXIS tradicionalmente hablando Comenzamos de manera excelente con una gran "Utopia", en la línea de esos temas directos, rápidos y pegadizos que siempre fueron santo y seña de la banda. Y a partir de aquí, ya digo que buenas melodías, interesantes canciones muy AXXIS e incluso alguna sorpresa como el corte "Fass mich ann", oscura y grandilocuente (pero muy melódica), y cantada en alemán. Para quien nos gusta AXXIS de toda la vida, ya digo que disfrutaremos sin duda de temas como "Last man on earth" (heavy y más o menos épica pero con deje 100% AXXIS en coros, melodías y ritmo), "Sarah wanna die" (cañera y muy atractiva, y con una parte media/final en plan batalla instrumental impresionante) o "Heavy rain" (más melódica y con ese deje casi hardroquero de "The big thrill", incluso con sonidos cercanos a los sintetizadores de la época como curiosidad), además de la balada "Father's eye" (comenzando excelente con piano y voz y pasando pronto a ese tono a medio tiempo melódico tan típico en AXXIS en temas como "Living in a world", "Little war" o "Hold you"). Y para los que prefieran el estilo algo más épico y power de sus últimos trabajos, seguro que cortes como "Eyes of a child" o "Underworld" para cerrar (totalmente power, vaya) también os hacen sentir que AXXIS no defraudan.

En definitiva, casi sin comerlo ni beberlo ya tenemos aquí el nuevo trabajo de AXXIS que, aunque parezca de "Perogrullo", lo mejor que tiene es que suena a ellos mismos, con esa personalidad y clase de los liderados por el simpático Berny, pero añadiendo en este caso una cucharada extra de melodía y de toque más cercano a los primeros tiempos de la banda (sin abandonar el punto algo más detallista y épico de los recientes "Doom of destiny" y "Paradise in flames", aunque en este caso sí dejando detrás el punto más oscuro de estos).

Texto: David Esquitino

Crítica. Cuernos de Chivo. Deshumanización

CUERNOS DE CHIVO: “Deshumanización” (CD Music)

Vamos con la reseña de este segundo trabajo de los toledanos CUERNOS DE CHIVO. La portada del trabajo, el nombre del grupo pero sobre todo la foto del grupo ya dice mucho. Y es que esas camisetas de GOJIRA no engañan a nadie. Así es, directos, trepidantes, sin tapujos con esa mezcla de Death Metal y Hardcore que nunca pasa indiferente delante de uno mismo: o te gusta o directamente no le ves el sentido. Pero con este disco estamos más cerca de la primera afirmación, pues es un buen trabajo con una muy buena producción que ha sido llevada a cabo por Tue Madsen (THE HAUNTED, DAGOBA,…). Riffs pesados, voz forzando garganta y grandes melodías pueden ser tres características que podemos destacar del álbum, aunque todo ello aderezado de forma que han conseguido que un trabajo que a primera vista pudiera parecer más bien cortito se transforme en un buen disco.

Huyendo de las canciones cortas (casi todas rondan los cuatro minutos y medio) consiguen sorprender a propios y extraños con variedad de melodías, algunas mezcolanzas de estilo y pequeños detalles de forma que casi todas las canciones destacan y son diferenciables. El primer corte que comentaré es “Un Final Sin Destino”, que desde un punto de vista muy personal me parece una de las mejores canciones del disco, con muy buenas melodías y cambios de ritmos a lo largo de los cuatro minutos y medio (exactos) de canción, pero es más o menos en el segundo minuto cuando uno se lleva una sorpresa y aparece la inconfundible voz de Leo Jiménez y la canción varía entre unos ritmos pesados impresionantes y una rapidez trepidante. El tercer corte de nuevo tiene su peculiaridad, y es que comienza con una cita de la película “Ciudad de Dios” pero pronto “Desata Tu Rabia” con velocidad y mucha calidad en el sonido. “La Venganza de los Narcos” es el corte más largo del trabajo pero sirve a modo de resumen de todo lo que nos vamos a encontrar en el disco: sonidos directos, buenas letras y calidad de la banda que derrocha metal en ocasiones muy directo o violento, pero siempre armonizado y bien coordinado. No quería cerrar esta review sin destacar “Hostil”, que empieza con una intro Hip-Hop para desembocar en el sonido de la banda. Sí, he de admitir que no miraba con buenos ojos el trabajo cuando llegó a mis manos, pero ahora me tendré que tragar mis palabras y volver a rendirme ante la grandeza de esta música que nos une.

Texto: Miguel Julián

Crítica. Ansiado. Viajando a la Eternidad

Ansiado. “Viajando a la Eternidad” (Producciones Malditas)

La historia de la banda empieza con un “Todo comenzó en el mes de Octubre del año 2000 con el cambio del milenio, en un humilde local de Badalona (Barcelona)…”. La carrera de muchos grupos empieza así con mucha ilusión y toneladas de trabajo que, desgraciadamente, suelen acabar en maquetas y primeros discos poco o mal distribuidos. Pero, aunque no ha sido un camino de rosas, cambio de nombre y de formación incluidos, aquí tenemos el segundo trabajo del grupo anteriormente conocidos como ANSIA (es más, pese a que suenan diferentes ambos álbumes, el grupo ha puesto a disposición de los internautas la descarga de su anterior trabajo “Aprendiendo a Vivir”).

Este “Viajando a la Eternidad” es un un disco muy bien trabajado, con un buen sonido, directo, que sorprende desde los primeros temas, y acaba rematando con temazos como “El Indio” o “Luisa”. Por ponerles esas dichosas etiquetas que nos catalogan, así rápidamente, podríamos decir que suenan a una mezcla de Rock Urbano y Metal, todo aderezado con la voz de Pimpón, carismática y particular. Unas canciones van hacia LOS SUAVES, otras nos quieren recordar incluso a los míticos OBÚS, pero todo con ese toque personal que muchas bandas siguen buscando. Ritmos trabajados y bastante marcados en los temas, guitarras ágiles con solos en los momentos justos, con filigranas, limpieza y calidad. Son solos de guitarra que ponen un toque de color a canciones rítmicas con unas letras trabajadas que, si las escuchas con atención, tienen varias estrofas que perfectamente podríamos poner como himnos de la banda.

Vamos a adentrarnos en los temas de este “Viajando a la Eternidad”… “Despertaré” es una buena canción para abrir el disco y que sirve para ponernos en sobre aviso de lo que viene después: esa mezcolanza entre sonidos del rock urbano con toques metaleros. Pero para tema completo nos tendremos que ir al tercer corte del trabajo y que da nombre al mismo, “Viajando a la Eternidad”, empezando por una intro de las buenas, rondando el minuto, melódica y que nos va preparando para el tema directo que nos espera. Armonioso y con estribillos que se disparan a nuestros oídos, pero todo ello sin olvidar cuál es el estilo que quieren ir marcando. Pero no puedo acabar esta review sin destacar las guitarras de “Y Me Soltaste De La Mano”, que me siguen encantando una y otra vez. Y sobretodo uno no puede despedirse sin destacar “Luisa” y “El Indio”, como decía, dos temazos contundentes que, aunque diferentes, siguen marcados con el sello de la banda, de estos que esperarías escucharr en un directo para escuchar una buena dosis de rock.

Los caminos que tiene que recorrer una banda no son fáciles, pero con este segundo trabajo, ANSIADO nos demuestra las ganas que tienen de seguir adelante. Ya han dejado claro que calidad no les falta, y ahora esperamos que sigan siendo fieles al estilo que han marcado con este disco.

Texto: Miguel Julián Ramos

Crítica. The 69 Eyes. Black in blood

The 69 Eyes - “Black In Blood” (Nuclear Blast)

Los murciélagos de Helsinki han conseguido con su noveno disco mezclar mejor que nunca sus dos facetas: por un lado el sleaze y por otro el gothic rock. Ellos siempre han llevado a cuestas esta mezcla aunque, dependiendo de cada álbum, se han decantado más por uno que por otro y con este “Black In Blood” han conseguido superarse a sí mismos y coger partes de las dos caras, mezclarlo y sacar este genial trabajo. Es muy curioso porque, por un lado, suena completamente MÖTLEY CRÜE (como en “The Good, The Bad & The Undead”) pero, por otro, mantienen ese interesante rollo oscuro de THE CULT (por ejemplo el tema “We Own The Night” suena como un hijo bastardo de los citados) o bandas que siguen ese rollo goth ´n roll, por llamarlo de algún modo. Además, desde la portada hasta el último tema dejan claro que van a seguir haciendo esa actitud oscura pero a la vez macarruza y que saben llevar cada vez mejor ambas facetas y hacer que encajen a la perfección.

Tampoco han perdido esa actitud tan macarra que ellos suelen tener (y que demostraron claramente con su anterior disco, un directo grabado en un lugar tan legendario como el Whisky a Go-Go angelino), aunque sí hay que comentar que van dejando cada vez más de lado las voces guturales que estaban muy presentes en sus primeros discos, encontrando un equilibrio que personalmente me encanta.

De todas formas, en una opinión personal creo que este disco gustará más a los fans del sleazy rock, pero siempre con la condición de que sean abiertos o al que les gusten bandas como THE CULT o SISTERS OF MERCY, aunque tendrá también su público más gótico pues, como digo, es un disco que encuentra un equilibrio perfecto entre ambos géneros destacando como base general unas guitarras muy pesadas pero sin descuidar unos estribillos más accesibles que enganchan a la primera.

Texto: Alex Encabo

Crítica. Manuel Seoane. Burning Kingdom

MANUEL SEOANE: “Burning kingdom” (DFX Records)

Excelente el discazo de hard rock clásico, rotundo y pegadizo que se ha marcado el joven guitarrista madrileño Manu Seoane. Pese a que algunos le conocíamos como el guitarrista de ARS AMANDI, aquí se presenta como lo que realmente es: un músico y compositor impresionante, consiguiendo condensar en sólo 40 minutos toda la esencia del mejor hard rock de toda la vida, y haciendo que por fin nos acordemos sin sonrojarnos de que en España hubo formaciones tan buenas como SANGRE AZUL o NIAGARA que no tenían nada que envidiar (al menos musicalmente hablando) a los clásicos que venían de Estados Unidos y el norte de Europa (BON JOVI, DOKKEN, EUROPE, BONFIRE, el primer YNGWIE...). Y con sólo 22 añitos se nos desmarca Manu con toda una lección de melodía, de composiciones pegadizas, de elegancia y de temazos con ese aura de hits que hubieran tenido en cualquiera de los discos míticos de las bandas citadas (porque además están cantados en perfecto inglés).

Y pese a la limitada portada, (que engaña de primeras, las cosas como son), aquí no hay nada del proyecto en solitario de guitar hero de turno sino una banda al 100% que desde ya merece ser tenida muy en cuenta. Por tanto, quiero destacar también a un impresionante vocalista como es Dagarod (ex IS PAIN), que hace un trabajo exquisito, además de la producción de un maestro en la materia como es el gran Manolo Arias (guitarrista de ATLAS y DR SNAKE y ex... mil bandas del heavy/rock nacional), dotando al álbum de esas últimas gotas de magia sonora para que el producto tenga la mejor factura posible. Y nos vamos ya a los temas y hay que decir que el producto es perfecto, sin el más mínimo relleno, y que aparte de las dos instrumentales (que por gustos personales siempre me parecerán más intrascendentes), el conjunto de temas es impresionante, dejando ya a gusto del consumidor las canciones que más te gusten. Personalmente me quedo la fantástica “Livin´now”, que abre y da título al disco, el temazo que me parece “Rock on the radio”, pegadiza y roquera a más no poder (y del que grabarán vídeo clip), además de las guitarreras “Good times”, brutal, o “Rock Formosa”, con emotiva historia detrás. Y sin olvidarse de la buenísima versión que se marcan del “Big Bang” que grabaron NIAGARA con Fernando García (VICTORY) años ha, y que pone bien claro cuáles son las raíces e influencias del joven guitarrista.

En definitiva, una sorpresa superlativa y un discazo de bandera para no parar de escucharlo una y otra vez. Eso sí, cuando lo reediten con mejor portada y libreto les daré un 10 más rotundo, prometido.

Texto: David Esquitino

Crítica. Europe. Last look at Eden

EUROPE: “Last look at Eden” (Eae music)

Se cumplen 5 años desde la edición de su disco de reunión, “Start from the dark”, y ya tres discos después es obvio que hablar de que no suenan como en sus primeros tiempos es absurdo. Ellos siguen firmes en su postura más actual, potente e incluso pesada, aunque por otro lado es obvio que nunca dejarán de tener ese gancho melódico que siempre les hizo especiales. Me resulta curioso encontrarme con un álbum que suena más setentero que nunca, absolutamente clásico en estructuras y concepto, pero a su vez con un sonido intermedio entre la oscuridad y toque más moderno de “Start from the dark” y el punto más “melódico” y de calidad de “Secret Society”. Es decir, una particular mezcla entre un rock 100% enraizado en los 70 y en bandas como LED ZEPPELIN, GRAND FUNK RAIL ROAD, JIMI HENDRIX, THE WHO... (aparte de su propio sello personal que de una manera o de otra aparece en casi todos los temas), y un toque lógico más actualizado en sonido, que incluso me recuerda en muchos momentos a toques de los últimos U2, que reconozco que se hace raro en una banda como EUROPE.

De todas formas, comenzando por la portada, que me gusta, el disco ya sorprende. No sabemos si atrae o pincha, y es exactamente lo que ocurre con el trabajo, que en una primera escucha en general pincha, después atrae por partes y al final al menos no deja indiferente, aunque también es cierto que no ha llegado a entrarme aún (y eso que lo he escuchado muchas veces) cuando por ejemplo “Secret society” sí acabó haciéndolo. Incluso se me hace cuesta arriba el encontrarnos a un Joey Tempest con la voz tratada en muchos temas. Por supuesto que John Norum hace un trabajo excelente, ya sea metiendo caña y distorsionando su guitarra como haciendo acordes de blues o acústicos en las baladas, y de nuevo me reafirmo en la excelente base rítmica que siempre han tenido EUROPE, con un Ian que siempre me encantó como batería y un John Levèn sobrio pero siempre efectivo. Y finalmente nombro al teclista Mic Michaeli, que siempre es importante a nivel de detalles, arreglos, orquestaciones y demás para darle ese último ornamento a los temas de EUROPE que siempre han sido marca de la casa, aunque es el músico con menos presencia en el sonido, y es una lástima.

De todos modos, es obvio que muchos echaremos de menos si no directamente a los EUROPE más ochenteros y hardroqueros, sí el punto más melódico y con feeling que en “Last look at Eden” aparece más que con cuentagotas. Acercándonos ya a las canciones en sí, tengo que decir que es quizás donde más pegas le pongo al disco... Me explico: me gusta la generalidad del disco (con ciertas reservas), el sonido pese a todo, el trabajo instrumental general (aunque la voz tratada de Joey me chirriará siempre), y algunos temas en concreto, pero creo que naufragan en intentar experimentar demasiado en algunas canciones, que al final resultan cortes sosos y sin chispa Y aquí aparece mi reflexión, y es que me da la impresión de que, gustos aparte, los mejores temas del disco son los que más pueden recordar a los clásicos EUROPE, y ahí me entran de nuevo todas las dudas sobre la validez absoluta de los temas más modernos y experimentales de, en este caso, el nuevo disco. De hecho, leyendo críticas del disco, casi todo el mundo destaca la excelencia de las dos baladas, el single, algún corte más movido (y diferente, vale) como “Gotta get ready”, “Only young twice” o “The beast” pero poco más, y supongo que será por algo. Y es que hay canciones como el medio tiempo “No stone unturned”, la extraña “Run wit the angels” o incluso la ya conocida “Mojito girl” (casi funkie/rock y con muchos tintes “mainstream”), que me dicen muy poco.

Por ello, quizás prefiero cerrar la crítica del nuevo disco de EUROPE sin una valoración clara por mi parte y dejarlo un poco a la interpretación del lector/oyente.

Texto: David Esquitino

Crítica. Bon Scott Band. Coverage

BON SCOTT BAND: “Coverage” (Patagon Music/Promo Sapiens)

Curioso el disco que nos ocupa y a su vez con mucho encanto... Por un lado tenemos clasicazos de la historia de nuestro heavy rock de siempre (e incluso con un par de pinceladas más "actuales"), y por otro a una de las bandas de versiones más veteranas, conocidas y reputadas de nuestro país. Pues bien, de la mezcla de ambas surge este divertido y vacilón "Coverage" (obviamente con el juego de palabras entre "cover" y el "Powerage" de AC/DC), que no es ni más ni menos que un álbum de versiones de algunos de los himnos más rotundos de nuestro rock pasados por la batidora del estilo "acedeciano" de los catalanes. Y el resultado es excelente, curioso y muy entretenido, un disco de esos que te pones seguro en casa mientras te "maqueas" para una noche de marcha y no paras de canturrear y mover los pies mientras te miras al espejo combinando la camiseta de AC/DC (ya que estamos en la tesitura) con los elásticos y dudas aún entre las botas de "chúpame la punta", las "All star" o las zapatillas blancas de toda la vida para rematar atuendo antes de salir a comerte la noche.

Situaciones más o menos reales aparte, el caso es que la idea me parece genial y es que después de un par de trabajos tanto de versiones en directo de sus ídolos como con algunos temas propios, era un buen momento para hacer algo así, sin dejar de lado su seña de identidad tatuada con fuego y cuernos de los hermanos Young y compañía. De hecho, pese a su adoración absoluta por AC/DC, siempre es bonito homenajear y reconocer las influencias que todos los grupos nacionales tienen de gente como OBÚS, MIGUEL RIOS, BARRICADA, BARÓN ROJO o LEÑO, y en este sentido me gusta el detalle de la BON SCOTT BAND de encima hacerlo a su manera, llevando los temas originales a su terreno pero a la vez dotándolos de aun aire distinto, muy atractivo y metiéndole a cada canción un puntito de chispa para que tengan a la vez su magia originaria, el punto roquero, gamberro y vacilón de AC/DC y el toque distintivo que le ha ido queriendo dar la banda a cada tema.

Por ejemplo, hay cortes más o menos similares a las originales (porque, de hecho, ya eran bastante roqueras/"acedecianas"), como puedan ser el "Hay poco rock n'roll" de los PLATERO o el "Mueve tus caderas" de BURNING, aunque en general los que más me han gustado (dentro del excelente tono general) sean los que han quedado algo distintos y con una personalidad diferente pero muy guapa, como por ejemplo un "Peligrosa María" de LOS SUAVES casi a medio tiempo pero con mucho feeling, o "Alfileres" de MAREA, muy roquera pero bastante alejada del tema original. Por cierto, que no se me olvide comentar que hay varios de los protagonistas que han colaborado en el disco, dándole su rollito personal a los temas como es el caso del Boni de BARRICADA, Sherpa de BARÓN, Fortu de OBÚS, Mohamed de MÄGO o el Piñas y Kolibri de MAREA. Fantásticas por ejemplo las versiones del “No hay tregua” de BARRICADA, el “Dinero, dinero” de OBÚS, o las divertidas y bailonas “Me vuelvo loco” de TEQUILA y “Mueve tus caderas” de BURNING, además de la clase del “Generación límite” de MIGUEL RÍOS.

En definitiva, un disco diferente, que se nota que está hecho con mucho cariño y respeto, y que te deja con esa sonrisilla tonta del que se lo acaba de pasar realmente bien. Y por cierto, me quedo con la frase lapidaria con la que se cierra el disco: "Mi rollo, aparte de tu rollo, es el rock"... Lo dicho, un trabajo que efectivamente debería ser de obligada escucha en cualquier escuela o universidad del rock de nuestro país, ya sea en "Primero de Heavy", la optativa "Recuerdos del Canciller/Años de Razzmatazz" o el curso de postgrado especializado en "Iconos de nuestra historia". ¡Muy grande! Texto: David Esquitino

Crítica. Paradise Lost: Faith divides us - death united us

PARADISE LOST: “Faith divides us – death united us” (Century Media):

Los ingleses celebraron el año pasado su veinte aniversario, y posiblemente sea una de las bandas que más ha servido de referencia a otras muchas a lo largo de su historia. Y ahora, el 28 de septiembre llega el lanzamiento de su nuevo y esperado último trabajo. Y cuando uno empieza a escuchar cualquier “nuevo trabajo” de PARADISE LOST, se sienta en el sofá y se pregunta “¿qué habrán hecho esta vez?”. Pues la banda inglesa sigue en su línea de reinventarse a sí mismos. En este disco podemos encontrar tres novedades importantes: La primera es que por primera vez se han metido al estudio de grabación con guitarras de siete cuerdas. Además, el disco ha sido grabado con el batería Peter Damin, pero ha sido reemplazado definitivamente por Adrian Erlandsson (ex-CRADLE OF FILTH), así que tendremos que estar atentos, las manos de Erlandsson se tendrán que notar. La última novedad reseñable es la grabación del trabajo junto con Jens Bogren (productor de OPETH, KATATONIA entre otros), sus manos han dejado marca en el trabajo desde el primer corte.

Pero hablemos de este trabajo en sí, su duodécimo. Si a lo largo de los últimos años el sonido de la banda ha evolucionado hacia un estilo gótico (siempre personal), parece que en este trabajo intentan regresar a ese estilo más death que tenían en sus primeros trabajos. Pero todo parece ser un intento, y el trabajo acaba por ser una recopilación de canciones que fluctúan desde los ritmos y sonidos decadentes del death metal hasta las canciones más claras, pero siempre con el sello de la banda tirando hacia un estilo gótico.

Para ver ese contraste sólo tenemos que escuchar los dos primeros cortes, “As Horizons End” y “I remain”. Llas guitarras de “Universal Dream”, penúltimo corte del disco, destacan del tono general del trabajo. La canción que da título al álbum se nos muestra contundente y elegante, con unos coros claros que parece que, según avanza la reproducción del álbum, el oído de uno mismo parece intuir. Y creo que no será una sorpresa si “Last Regret” no se convierte en una de esas canciones que se incorporan al repertorio de los conciertos de la gira de la banda inglesa. No puedo evitar lanzar esa opinión muy personal y destacar este último corte, “Last Regret” y el quinto del disco, que da nombre al trabajo, como pistas referentes.

Una banda referente, una banda diferente, la mano oculta de Bogren., la llegada de las 7 cuerdas y una presentación en una edición muy cuidada (habrá tres diferentes, por cierto). Acordaros, el 28 de septiembre tenemos una cita con la banda de Holmes, Mackintosh y compañía.

Texto: Miguel Julián Ramos (Miky)

CENTINELA: “Espinas del alma”

CENTINELA: “Espinas del alma” (autoeditado)

Supongo que a modo de puente entre su último trabajo "Claustrofobia" y el potencial nuevo disco de la banda, los albaceteños nos presentan este mini CD/EP en formato acústico al que han llamado acertadamente "Espinas del alma", escogiendo algunos de sus mejores temas menos agresivos. Además, supongo que también el disco les tiene que servir para afianzar a la nueva formación, ya con los dos guitarristas, Fernando Moya y Juan Parreño, totalmente integrados en la banda y que además hacen un buen trabajo con las acústicas y guitarra española. Por supuesto que es un formato en el que nos sorprenden, pero la verdad es que han sido valientes y han hecho un interesante trabajo incluso en cierto modo introspectivo e intimista, y seguro que gustará tanto a los fans más heavies de la banda como a cierto público que quizás hasta ahora no les habían prestado demasiada atención. En cuanto al repertorio elegido, hay que decir que el disco contiene 5 temas pertenecientes a sus 4 discos anteriores, un atractivo corte nuevo (muy CENTINELA en estructura pero obviamente en formato acústico, y con emotiva letra) llamado "El milagro de la medianoche", y una versión del conocido "Tears in heaven" de Eric Clapton, cantado en castellano y que les ha quedado realmente bien.

Particularmente me ha gustado mucho cómo ha quedado la conversión a formato acústico de "Nueva vida", de su "Claustrofobia", un tema además que deja bien claro en la letra la confianza de la banda en su nueva etapa, y la sorpresa de la inclusión de "Treinta días" de su primer trabajo. Luego, sigo reiterando una vez más que "Frío" de "Pánico" es la mejor canción de este tipo que tiene la banda, y te vuelve a poner los pelos de punta en formato 100% acústico. Y para terminar, también ha quedado bastante apañada "Háblame" del último disco, una bonita balada que, pese a que quizás no gana en formato acústico, sí queda perfecta de este modo. Y con la que tengo las mayores dudas es con "La herida", para muchos el mejor tema de la banda pero que se escucha de manera extraña de este modo... y no porque no haya quedado bien, pero es obvio que la fuerza del original es imposible de reproducir sin instrumentos eléctricos y sin el ritmo tan intenso del corte primigenio. Por cierto, Cano sigue demostrando que es uno de nuestros mejores cantantes, sustituyendo esta vez potencia máxima por un toque algo más "delicado" e intenso, aportando mucho feeling.

Así que nada, esto es lo que tenemos entre manos y ahora sólo falta que de cara al nuevo disco recuperen la rabia, fuerza y punto enérgico/acelerado supremo de especialmente "La nueva ira" y "Pánico" (o que sigan por la nueva senda marcada por "Claustrofobia" pero sin olvidarse de quién son y cómo han llegado hasta aquí).

Texto: David Esquitino

Crítica. Alioth. 30º Norte

ALIOTH: “30º norte” (Santo Grial)

Hace poco más de dos años me sorprendía esta interesante banda madrileña de heavy metal con el excelente "12 historias", un debút que me encantó, y nada, casi sin darnos cuenta ya tenemos aquí la continuación al mismo. "30º Norte" es un trabajo en el que se nota la evolución la banda hacia derroteros algo más rítmicos, pesados y actuales, sin perder en absoluto su base heavymetalera clásica, pero sí quizás dejando un paso más atrás los dejes roqueros y hardroqueros del primer disco, y empezando a adentrarse en senderos algo más potentes y variados.

De nuevo mantienen un excelente nivel de sonido, gracias al binomio fantástico Manolo Arias (productor) y Mikka Jussila ("masterizador"). En cuanto a los temas, el disco se compone de 11 más un breve homenaje a un amigo irlandés fallecido y una outro coñera/cañera que tiene su punto. Por comenzar a comentarlos, podemos decir que los que más siguen directamente la línea marcada en el primer álbum serían la macarrilla "Océanos de arena", con la que comienza el disco (potente pero pegadiza y perfecta para abrir, con buenas guitarras y un potente estribillo y coros), "Diferente" (heavy y rítmica), la más melódica "Cuento de hadas" (puro heavy metal pero con excelentes melodías y mucha energía... y una batería como un cañón) o "Un día más" (muy guapa y pegadiza), además de "En el camino" (quizás el tema que mantiene mejor el deje hardroquero de alguno de los cortes del primer álbum, aunque las guitarras son pesadas). De los temas algo "distintos", hay que destacar la épica canción que da título al disco (potente y atractiva, con estribillo muy interesante a varias voces). De todos modos, y sin poder engañarme a mí mismo diciendo que me ha gustado más que el anterior, creo que estamos ante un nuevo buen trabajo de esta banda madrileña que sigue avanzando por la dificilísima senda actual de abrirse camino en el actual panorama nacional. Texto: David Esquitino

Crítica. Jorn. Spirit Black

JORN: “Spirit black” (AFM):

No hace ni un año que teníamos entre manos el increíble "Lonely are the brave" y ya tenemos aquí la nueva joya de JORN, un fantástico "Spirit black", que reconozco que no me ha entrado tan directo como lo hicieron en su momento el citado álbum previo, "The duke", "Our of every nation", su fantástico trabajo de versiones..., pero una vez que el veneno negro y clásico que tiene este trabajo empieza a correr por tus venas, ya no te suelta. Del estilo, él mismo lo define mejor que nadie como "True classic hard rock music!", ni más ni menos y sin más palabras u ornamentos lingüísticos innecesarios. Además, creo que por primera vez ha conseguido que el disco no te haga pensar inmediatamente en la saga Dio y/o Coverdale sino en JORN (aunque por supuesto que sus influencias principales se mantienen, y que no cambien nunca, por favor). Entonces, pues ya sabemos: 9 temazos de hard rock clásico, quizás más potente y metalizado (como ya ocurría de hecho en "Lonely are the brave"), con cierto deje oscuro (incluso desde la propia portada, aunque mantenga su cuervo ya característico), sonido duro, clásico, "básico" y de muy alto nivel (de nuevo un reconocimiento especial para Tommy Hansen, que ha hecho un trabajo excelente en sus Jailhouse Studios como productor del disco), y el protagonismo de la impresionante voz de Lande, que sin duda está entre los dos o tres mejores vocalistas que han surgido en los últimos años.

Como novedades, comentar que parece que se ha unido Igor Gianola (U.D.O.) como miembro permanente (al menos ha grabado el disco y le vimos en las dos últimas venidas de JORN a nuestro país), y que forma una pareja guitarrera increíble con Tore Moren, fiel escudero de Lande desde hace años. En este caso la unión es explosiva, mezclando el punto más heavy pero totalmente clásico de Igor con el punto más roquero de Tore, y formando con la voz impresionante de Jorn un trinomio de muy alto nivel. Además, la duración no excede de 45 minutos, como en mi opinión debería ser en todo disco que se precie, dejando atrás canciones de relleno, experimentos extraños y/o simplemente aderezos innecesarios… y como además va enganchando poco a poco, pues es perfecto para repetir y que no te canses en absoluto de seguir escuchando buen hard/heavy de la mejor calidad.

El disco comienza algo extraño con sonidos casi industriales para "Spirit black", aunque luego el tema sí tiene su chispa (aunque quizás sea el tema más oscuro e incluso actual del disco). Ya más clásicos nos ponemos con "Below", demostrando la pareja de guitarristas que quieren su protagonismo y su parte de reconocimiento dentro de la clase de este disco. "Road of the cross" es más épica, aunque siempre roquera, dominada por un Jorn sobrehumano y un punto rotundo a la batería muy interesante. Recogemos el punto más heavy en "The last revolution", dura y seca, pero a la vez con mucho atractivo. Los dos siguientes temas me parecen de lo mejor del disco, comenzando por "City in between", muy clásica y a la vez misteriosa, casi a medio tiempo pero muy pegadiza; aunque la joya me parece "Rock n'roll angel", con un inicio precioso a lo balada de toda la vida para despegar con un temazo roquero "que parte la pana", también de tempo más lento pero con mucha fuerza. La vena WHITESNAKE le sale sobre todo en "Burn your flame", que comienza con una caña rotunda y un riff supremo, y Jorn "imitando" como sólo él sabe al mejor Coverdale... Seguimos con el punto de hard rock pegadizo pero con clase y fuerza en "World gone mad", ahora con deje THIN LIZZY pero manteniendo la potencia base de las guitarras del disco. Y ya para rematar nos encontramos con el punto más pesado, lento y denso de "I walk alone", bien interpretada y con chispa pero que personalmente me ha gustado menos, quitando el estribillo que sí tiene más atractivo... Y en la versión especial en digipack el disco se remata con "The sun goes down"… Y por si fuera poco, dicen las "malas lenguas" (o buenas, ¡qué coño!), que ha vuelto a MASTERPLAN, así que hasta que se confirme o no y volvamos a disfrutar de un nuevo excelente trabajo de los alemanes con su cantante original de nuevo en sus filas, qué mejor que "conformarse" con este fantástico "Spirit black". (Texto: David Esquitino)

Crítica. No Apto. La gran manzana

NO APTO – “La gran manzana” (Esese Records):

Aquí tengo entre manos el que ya es el tercer trabajo de esta aún joven banda de Tarragona. Su estilo podríamos simplificarlo diciendo que es un rock alternativo y metalizado bastante actual y con dejes de grupos como SÔBER, HAMLET, INORDEM, unos primeros UZZHÜAIA o una ficticia versión metalizada de HÉROES DEL SILENCIO (incluso con evidencia indisimulada en la voz), ciñéndonos un poco al estilo nacional, por aquello de que NO APTO cantan en castellano, aunque sin dejar atrás a muchos clásicos del rock y metal que, consciente o inconscientemente, siempre aparecen por algún lado. Quizás lo que sí me ha descolocado un poco es la portada, que no me convence ni a nivel estético ni de mostrar lo que encontramos en el disco, pero por otro lado me ha sorprendido para bien el sonido del disco (siempre mejorable, por supuesto), el gusto por las melodías pese a todo que citaba antes, y ese gusto por el rock energético que para mí debe tener toda banda joven con ilusión y ganas de comerse el mundo…

La base de los temas de "La gran manzana" parte de unos potentes riffs pesados y metalizados, que se convierte en un colchón fijo en todas las canciones, aunque por el contrario me llama la atención como de repente no tienen medio de meter una acústica o un teclado si encarta, unas voces más suaves o incluso algún deje sureño y/o country como por ejemplo en el tema que cierra, "Hace tiempo". Instrumentalmente destaca ese buen gusto y el punto para hacer temas y/o partes de los mismos que te enganchan y te llaman a seguir escuchando el disco, pero sin tirar necesariamente de virtuosismos o de excelencias compositivas supremas, al menos a mi modo de ver. Eso sí, está claro que a los que no os tiren demasiado los sonidos más actuales y modernos, seguro que algún corte más pesado como "Déjanos pasar", "Inmortal" o la más extraña "Poder continuar" (que me recuerda un poco al rollo raro que tenía ese primer disco de BUNBURY, que se llamó "Radical sonora" y que no convenció demasiado ni a propios ni a extraños) les chirría un poco. Personalmente me quedo de primeras con cortes más atemporales como "Sobrevivir", "Despertar" (muy HÉROES aunque más dura y con un estribillo muy atractivo), "Trampa mortal", la cañera "No mirar hacia atrás" o las roqueras "Harto de aguantar" (movida y potente y para mí de lo mejor del disco) o "Destrozado" (no tan actualizada, dentro de su estilo base, claro)… Aunque también tienen su punto otros temas "de contrastes" como la más metalera y cruda "Fuera de control", o la bonita acústica "Quiero salir" (muy guapa)… y sin olvidarme de la peculiar "Poder continuar", atractiva y con deje gótico de fondo incluso.

En definitiva, un disco interesante de rock personal y actualizado… De todos modos, para gustos los colores, como se suele decir, y aunque está claro que no es un trabajo para todos los públicos duros, sí supone una interesante propuesta más a tener en cuenta dentro de las nuevas bandas que están surgiendo en nuestro país en los últimos años. (Texto: David Esquitino)

Crítica. Herman Frank. Loyal to none

HERMAN FRANK: “Loyal to none” (Metal Heaven)

¡Vaya discazo que se ha sacado de la manga el señor Herman Frank!... perdonar que comience tan efusivo, pero es que estamos ante uno de los mejores álbumes de la primera mitad del año sin ninguna duda, un trabajo de puro hard/heavy germano (en la lógica tradición de ACCEPT, VICTORY, SINNER y demás, las principales bandas en las que ha tocado el bueno de Herman) que es todo un lujazo poder disfrutar en estos tiempos. Según comentó el veterano guitarrista y productor hablando del disco, éste surgió mientras esperaba que sus compañeros de VICTORY se pusieran a trabajar de nuevo, y mientras tanto se juntó con el actual vocalista de la propia banda, Jiotis Parchiaridis (impresionante el tío) y con dos buenos amigos también de la vieja escuela del heavy metal germano como Peter Piechl (último bajista de RUNNING WILD) y el trotamundos Stefan Schwarzmann (batería de mil bandas pero destacando quizás ACCEPT, HELLOWEEN o RUNNING WILD y actualmente con KROKUS, al menos hasta antes de la reunión de la formación clásico de los suizos). Y nada, nos encontramos sencillamente con un compendio de 10 temas totalmente de vieja escuela, temazos del mejor hard rock y heavy metal ochentero, con mucho poder rítmico de base, raíces netamente roqueras y un protagonismo lógico de las guitarras del “abuelo Frank” que ha hecho un trabajo excelente (idem con la producción, por si alguien tenía alguna duda).

En definitiva, siendo sólo leal a él mismo, a su historia, al sonido único que en los 80 sólo se hacía en Alemania y sin dejar de tener en cuenta que en 2009 sea tan válido como podría serlo en 1985, por ejemplo. Por destacar temas concretos, no dejéis de pinchar bien alto la caña de “7 stars” o “Bastard legions” (brutal), disfrutar del punto más roquero y melódico de “Father buries son” o “Kill the king” (el perfecto ejemplo de a qué me refiero cuando hablo de “típico hard/heavy germano de toda la vida”), aunque la canción que me tiene loco es “Heal me”, power ballad de toda la vida con ese feeling que sólo los grandes pueden conseguir. Impresionante discazo que nadie se debería perder pero especialmente recomendadísimo para todos aquellos que sois amantes del buen heavy metal clásico de corte netamente alemán y ochenteno. ¡Gracias, Frank! (Texto: David Esquitino)

Crítica. JORGE SALÁN. Subsuelo

JORGE SALÁN: "Subsuelo" (Pagana Records)

Aunque el título y dos de los temas son en castellano, Jorge sigue fiel a expresarse musicalmente en inglés y a su estilo hardroquero elegante y personal, sin miedo a la fusión (en este caso más puntual que en su anterior trabajo), ni a dotar a sus temas de un matiz acorde con los tiempos en los que vivimos. De todos modos, la calidad y la clase siguen siendo el denominador común, además del rock sin etiquetas, por supuesto, del cuarto trabajo en solitario del bueno de Jorge (o joven guitarrista madrileño, si nos vamos a la frase tópica). Además mantiene el buen gusto a la hora de escoger colaboradores, puesto que en este caso, además de repetir con Danny Vaughn (vocalista de TYKETTO y ex WAYSTED entre otros) en uno de los mejores temas del disco, y contar también con el guitarrista de LOS SECRETOS, se atreve con uno de sus ídolos, el gran Miguel Ríos para el que ha compuesto una impresionante balada urbana (la que da título al disco y sentido a la portada), que a su vez Miguel también ha incluido en su último trabajo. Y como última novedad a este respecto, comentar el tema en castellano que cierra el disco a modo de bonus track, “Radio rock” con una letra sincera que me encanta y un toque guitarrero fantástico... y sin ser pejiguero, hay que decir que no le queda mal el punto en castellano, de cara a probar en el futuro (aunque a él no le haga mucha gracia).

Del resto, comentar que no es un disco tan experimental como fue “Chronicles of an evolution”, y que quizás tenga más que ver con el punto hardroquero de “From now on”, aunque por supuesto sin dejar de evolucionar y de sonar un “pelín” más actual de la primera grabación final que pudimos escuchar en los estudios donde se grabó el disco (Krea) hace ya algunos meses. Destacar también que quizás es un disco más melódico y con más dejes a medio tiempo, pero que es algo que también le da mucho encanto, además de reseñar finalmente que cada vez se le nota a Jorge más cómodo cantando, por mucho que él sea guitarrista y que sea la labor dónde lógicamente más se centra. También, citar el buen trabajado instrumental de su banda base (Fernando Mainer, Carlos Expósito/José Mena y Javi Díez), aunque el protagonismo es de la guitarra de Jorge, melódica, personal y con mucho gusto, que vuelve a demostrar que como instrumentista está a un nivel muy alto. Y de los temas, pues nada, quizás me quedo en este caso curiosamente con algunos de los más “suaves” como la preciosa “You will stay alive” (melódica y ensoñadora), la americanizada “Losing my mind” (con mucho feeling en la voz y guapos arreglos) o las dos baladas del disco, una bonita “No going back” y la fantástica y citada “Subsuelo”, donde canta de lujo el gran “Mike Rivers”. Pero no me olvido de los temas más movidos como “Trouble walking” (más roquera y con Vaughn) o la pegadiza “The dragon”, además de la genial “Radio rock”, quizás saliéndose de la línea estilística base del disco, y pisando el acelerador a fondo (aunque curiosamente le ha quedado un tema muy “ASFALTOPO”, aunque con guitarra más potente). En definitiva, cuarto trabajo ya de JORGE SALÁN y sólo puedo decir que sigue haciendo las cosas muy bien. ¡Enhorabuena, Jorge! (David Esquitino)

Crítica. Offtopic. A fuego

OFFTOPIC: “A fuego” (Autoproducido):

No estamos ante una banda de chavales intentando abrirse camino sin más sino ante un grupo de 4 músicos más treintañeros que veinteañeros, que decidieron en su momento que ya era hora de dar forma de canciones a sus buenas ideas, y dejar que sus influencias y personalidad se hermanaran para crear la interesante propuesta que ya nos ofrecieron en su sorprendente debut, "Sin miedo", de 2007 y que ahora termina de tomar forma en este reciente "A fuego". La propuesta es sencilla, buen heavy rock de toda la vida, pero no por ello de usar y tirar sino muy trabajada, intensa y con esa intención que se gana con la experiencia (tanto vital como musical, por supuesto). Como ya ocurría en el primer disco, destaca un buen nivel instrumental y sonoro (aunque es cierto que esta vez la producción del guitarrista Toni ha quedado algo opaca, especialmente a nivel de la batería), y la excelente voz de Rosa dando forma, color y fuerza a las canciones. Por otro lado, y siguiendo con los parabienes del disco, quiero destacar unas letras trabajadas, bonitas y con chispa, diciendo cosas, hablando de la realidad pero sin perder ese toque de chicha y de elegancia que nos enseñaron tan bien antaño gente como ASFALTO, BARÓN, ÑU y demás. Y por cierto, remarco que el disco está autoproducido y editado, lo que tiene mucho más mérito.

Con respecto al primero, quizás han suavizado un punto el ataque base de los temas (y eso que las guitarras son más duras y agresivas), y es cierto que los temas no entran tan directos como en "Sin miedo". Por contra, hay más trabajo de arreglos, melodías y variedad estilística, manteniendo el heavy metal de toda la vida como eje principal, pero navegando según la canción por dejes más roqueros, hardroqueros, e incluso un par de pinceladas acercándose incluso al pop (pero sin bajada de pantalones, no confundamos) en alguno de los cortes más suaves. Hablando de los temas, comenzamos con una canción muy roquera como es "A cara y cruz", guapa y atractiva y con Rosa derrochando chorro de voz en estribillo y con gran riff base para apuntalar desde el principio las bases del trabajo. En esta onda podemos destacar también por ejemplo la hardroquera "Perdida en el ayer", con buen trasfondo rítmico, o las más heavies y guitarreras "El tiempo vuela" (quizás el corte más rotundo y directo), "Un esclavo más" (dura y bastante clásica) o la pegadiza "Cuantas veces" (melódica y cañera a un tiempo, y con deje más comercial en la voz). Entre el punto más "suave" me quedo sin duda con un bonito medio tiempo roquero como es "Gracias a tí" o la excelente balada "Aprendiendo a vivir" (que coge fuerza en la segunda parte, desde el buen sólo intermedio y rematando con Rosa desgarrando con estilo y oficio). Por cierto, que no se me olvide nombrar a los músicos de la banda, que hacen todos un buen trabajo: Toni Sánchez a la guitarra, Rosa Ibañez a la voz, Christian Millán a la batería y José Luis López (ahora con el pelo más corto que en el primero) al bajo. En definitiva, buen heavy rock de siempre marcado a fuego y que salga bien fuerte (pero sin perder control, tacto ni melodía) por los altavoces. (David Esquitino)

Crítica. Lou Gramm. Lou Gramm Band

LOU GRAMM - “Lou Gramm Band”:

Aquí tenemos el que, hablando con propiedad, sería el tercer disco en solitario de la carrera del clásico cantante de FOREIGNER, y el primero con su nueva banda, con dos de sus hermanos, por cierto (que forman la base rítmica del grupo), que supone la vuelta a la acción del legendario vocalista tras una grave enfermedad hace algunos años. Como no podía ser de otra manera, nos encontramos con un correcto disco de hard rock melódico/AOR, de exquisita factura y sonido, y con un Lou ofreciendo retazos de su exquisita voz, algo maltratada por el paso del tiempo, pero sin perder feeling y calidez… aunque ya muy lejos de sus mejores tiempos, no queramos engañar a nadie ni a nosotros mismos. El álbum sale a principios de junio y seguro que saciará las ganas de muchos de sus seguidores de volver a escuchar esos temas de bella factura que siempre compuso y cantó el delgado vocalista de la ensortijada melena rizada (aunque poco queda ya de aquella imagen, todo sea dicho).

Entre los cortes del disco, destacar el buen gusto hardroquero de temas como “Baptized by fire” o la movida “Rattle yer bones”, ese punto clásico y casi funkie/soul de “I wanna testify”, o por supuesto la suavidad marca de la casa en “That´s the way planned it” o el guapo medio tiempo “So great”. En definitiva, un disco interesante dentro del estilo, pero que tampoco merece tirar cohetes una vez que lo sacas del contexto melódico. Hay elegancia y atractivo, además del siempre inevitable ejercicio de nostalgia, pero seguramente haya pocos seguidores de FOREIGNER que pongan este disco al nivel de los clásicos del grupo ni tan siquiera de sus dos trabajos previos en solitario a finales de los 80. De todos modos, aunque ya no se pueda pedir la calidad y chispa de antaño, que no falten nunca en este tipo de discos la clase y el buen gusto, por favor. (David Esquitino)